Por Florencia de Sousa
Clara Pinto es una diseñadora argentina que se instaló hace algunos años en Londres para cumplir su sueño. Con mucho trabajo a pulmón, logró destacarse y trabajar con personalidades que admiró desde siempre. De este modo comenzó a forjar su identidad en el mundo de la moda e innovó en ello: a la hora de poner manos a la obra tiene su sello personal y se destaca por utilizar materiales orgánicos para la confección de las prendas (huesos, pelo para crear textiles; lana, etc). Trabajar duro fue la fórmula que la posicionó donde se encuentra en la actualidad. Desde la ciudad que la ve crecer profesionalmente y donde presenta su última colección: Mummies, la cual hace hincapié en la exploración del cuerpo mediante el lado textil, habló con Rouge.
—¿Por qué decidiste estudiar diseño y cómo llegaste a instalarte en una ciudad tan relacionada con el mundo de la moda como lo es Londres?
—Me atrae el movimiento de los cuerpos con sus ropas y las diferencias que hay de persona a persona. Londres, como Buenos Aires, está cambiando todo el tiempo, pero quería algo nuevo con una dinámica más violenta. Una vez acá, pude ver las oportunidades que genera una ciudad con mayor diversidad y consumo, la moda es una manifestación de ese caldo.
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—¿Tuviste oportunidad de trabajar en Buenos Aires o te fuiste a Londres apenas te recibiste?
—En mi último año de carrera tuve la suerte de poder trabajar con Delia Cancela y Juan Hernandez Daels, dos artistas/diseñadores que admiro y me enseñaron mucho.
—¿Qué diferencia tienen las dos ciudades en relación al mercado de la indumentaria?
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—Creo que la mayor diferencia entre Londres y Buenos Aires es que en la primera ciudad hay mucho consumo y libertad que se nota en el vestir, hay menos prejuicios. Una creación original y bien ejecutada va a encontrar su nicho.
—Hay una peculiaridad en tu trabajo que es la utilización de materiales orgánicos para tus diseños. ¿A qué se debe esta elección?
—Es visceral, me engancho con lo natural. Me involucro lo mas que puedo con cada parte del proceso de diseño y buscar la materia prima es lo que va a sentar la raíz al trabajo. Para mi última colección me fui a Islandia un par de meses a recolectar lana de diferentes edades y pelo de caballo que es desecho de la industria alimenticia. Trabajar con materia prima desde el principio y saber de dónde vienen los materiales, es un punto de partida que a mi me resulta más interesante.
—Cuando se piensa el diseño de una prenda, ¿qué cosas hay que tener en cuenta desde un primer momento?
—Por un lado, mi trabajo es diseñar para clientes. Cuando trabajo para alguien en particular, creo que lo más importante es considerar al usuario. Su cuerpo, el uso que le va a dar, su relación con los materiales que yo utilizo. Ellos saben lo que hago y por eso se acercan, pero no me tengo que olvidar que son sus necesidades las que tengo que satisfacer. Por el otro, cuando hago mis colecciones no tengo mucho limite o dirección. Me guío mas por la intuición y las ideas se me disparan por cualquier cosa, pero para llegar a esas intuiciones estoy todo el tiempo buscando nuevos materiales y formas.
—¿En qué te inspirás para la realización de tus piezas?
—Cuando tomo una dirección y empiezo a crear, empieza una etapa de investigación, entramado y responsabilidad. Es un trabajo muy personal con el que tengo que estar comprometida. En este momento lo que me inspira son preocupaciones.
—En tu página web pude apreciar parte de lo que exponés y allí hacés referencia a una colección basada en las cicatrices del cuerpo de la mujer. ¿Cómo surgió esta idea?
—Cómo pensamos el cuerpo nos deja ver cosas de cómo es esa sociedad. La colección es sobre las marcas del cuerpo. En cómo se perciben y se tratan socialmente; Marcas que forman nuestra identidad pero que por alguna razón se esconden y rechazan. Mujeres que viven con vergüenza. Quise subrayar este rechazo a la experiencia y como esto solo genera desevolución.
—¿Cómo definís tus diseños?
—Capas y capas de texturas que te envuelven. Es gracioso ver como cuando le pongo la ropa a personas suspiran y se empiezan a moverse como si estuviesen flotando.
—Abordás un concepto poco desarrollado en el mundo de la moda, donde lo que en generalmente uno cree que lo que se busca es mostrar la perfección. Una cicatriz es una marca que a simple vista es imperfecta, y sin embargo, vos te agarrás de esta idea y la manifestás en un diseño ¿Qué mensaje buscás dar con ello?
—Busco re dirigir la mirada y darle poder a las experiencias que nos conforman como personas. El objetivo de la obra es transparentar los registros de la experiencia en la piel mediante el uso de la vestimenta. Hay un juego de palabras entre ‘Mummies’ (nombre de la colección que significa momias en inglés) y Mommies (Madres en inglés) donde las marcas físicas y emocionales que trae la maternidad pueden ser demasiado pesadas considerando estos mandatos sociales de los que hablo.
—¿Quiénes son tus referentes en el campo de la moda?
—Hay muchos diseñadores jóvenes contemporáneos que sigo como Simone Rocha, Josep Font para Delpozo, Roberts Wood, Molly Goddard y Cecile Bahnsen. Rick Owens es brillante, McQueen claro.
—¿Qué fue lo más insólito que te ocurrió a lo largo de tu carrera con tus diseños?
—Cada colaboración, proyecto o muestra son muy importantes para mi. No creo que haya algo más importante que otro porque todo depende de la etapa en la que estoy y cuánto trabajé para conseguirlo. Pero quizás algo que siempre recuerdo fue la primera vez que alguien le dio reconocimiento a mi trabajo. Estaba recién llegada a Londres y todavía no trabajaba en moda, de hecho trabajaba en una carnicería. No se como pasó pero un día me llamaron de Not Just a Label para decirme que había sido seleccionada como uno de los talentos prometedores del año y que iban a promocionar mi trabajo. Estaba excitadísima, pero no conocía a nadie en Londres para festejar, así que me senté sola en la escalera a llorar de la alegría. Not Just a Label es una plataforma que representa diseñadores y los conecta con la industria. Gracias a eso mi trabajo empezó a salir en revistas y conseguí mi primer trabajo como diseñadora acá.
—¿Cómo aprovechás las redes sociales para exponer tu trabajo?
—La realidad es que es gracias a las redes sociales tuve muchas oportunidades. Lo que muestro es mi trabajo y valoro el intercambio que se genera. No preservo nada, muestro y muevo.
—¿Cuáles son los próximos proyectos?
—En este momento estoy con proyectos que tengo que terminar en Londres. Vivo acá y tengo la cabeza acá. Seguro Buenos Aires sea parte de mi futuro.
Un poco más de su vida. Egresada del ABM, Instituto de Educación Superior en Diseño en 2015, fue distinguida como 'Black Sheep' (diseñador innovador, pionero y promesa) por la colección que presentó al graduarse allí. Este reconocimiento fue el disparador de una serie de oportunidades que la joven supo aprovechar: participó del London Fashion Week S/S 2017 como asistente de la diseñadora danesa Martine Jarlgaard y realizó la presentación de la colección a través de Mixed Reality (AR), donde cinco usuarios a la vez podían ver la nueva colección virtualmente usando los dispositivos Hololens (Microsoft). Este fue el primer show de moda oficial donde una colección se presentó virtualmente. Además, colaboró con el diseñador Peter Pilotto y con estilistas y fotógrafos que admiraba.
Su última colección se presentó en la Residencia de Embajadores de Argentina desde el 20 al 24 de septiembre, en el contexto de la Bienal de Diseño de Londres.
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