América es difícil de ver es el título de la espectacular exposición que toma la inauguración del nuevo edificio del museo para recorrer cronológicamente el arte norteamericano.
El zapato como forma de arte
Una gran oportunidad para volver a mirar la historia del arte en los Estados Unidos desde principios del SXX hasta hoy. La muestra desarrolla temas, ideas, creencias, pasiones que traspasaron a los artistas americanos que hicieron su trabajo dentro y en contra de las convenciones establecidas.
El título, América es difícil de ver, celebra los cambios de perspectiva de los artistas y su capacidad de responder a la cultura del país; también pone en relieve la dificultad que existe para definir la forma de vida y a los habitantes de Estados Unidos, un reto que está en el objetivo del museo que busca siempre la evolución en la comprensión del arte americano.
García Uriburu y su amor por la vida
Recorrer sus 8 pisos desde el último hacia abajo, es aprender sobre la historia de Estados Unidos y del mundo. Así comienza la visita desde el piso más alto, descendiendo en el monumental edificio frente al Hudson, tomándose un respiro, un café en sus espacio de placer, ventanales y sillones cómodos para admirar el agua y reflexionar acerca de la muestra. Una visita inolvidable.
Miradas superadoras sobre la igualdad de género
Organizada cronológicamente, la narrativa de la exposición está dividida en veintitrés "capítulos" temáticas instaladas en todo el edificio. Estos son algunos de ellos:
FORMAS ABSTRACTAS.
1913 fue una época en la cuál la vanguardia francesa proclamó su admiración por Nueva York, la consideraba la expresión de la gran realización de la modernidad. Los artistas americanos de ese tiempo que viajaron Europa, pudieron desplegar en muchas obras expuestas en este capítulo, el cubismo, el futurismo.
CIRCUS
La década después de la primera guerra mundial refleja prosperidad y libertad social sin precedentes, lo que alimentó un apetito enorme para el entretenimiento que creció sin cesar durante toda la segunda mitad del siglo XX. Cines, teatros abiertos, las celebridades, son lo que el arte refleja de esa época, en gran parte inspirado en estos entretenimientos de masas y su público, las obras expuestas en este capítulo jueguen con el entrelazamiento de voyeurismo y exhibicionismo, ver y ser visto.
LUCHA con todas nuestras fuerzas
Tras la catastrófica caída de la bolsa de 29 de octubre de 1929, muchos artistas estadounidenses se comprometieron a utilizar la fuerza expresiva de su arte en la lucha por el cambio social. En 1933, una cuarta parte de la fuerza laboral estaba desempleada y los signos de la Gran Depresión estaban por todas partes: los hombres sin hogar, mujeres y niños; comedores populares; favelas; protestas, huelgas, cierres patronales. Los artistas trabajaron para documentar estos problemas y también para mejorar ellos.
NUEVA YORK, N.Y. 1955
A raíz de la Segunda Guerra Mundial, una serie de artistas experimentó una crisis existencial: ¿Cómo podría el arte ser significativo a raíz de esta tragedia? ¿Qué lenguaje visual podría describir el mundo interno y externo así, totalmente transformado? Artistas en los Estados Unidos se sintieron obligados a hacer un arte absolutamente nuevo. Entre ellos, Alfonso Ossorio y Jackson Pollock, se centraron en cómo la interacción espontánea entre los materiales y los procesos radicales, como la pulverización y vertido, podría transmitir autenticidad e inmediatez.
GRANDES MARCAS
A principios de 1960, El arte pop desafió a los gestos del expresionismo abstracto con un abrazo inquebrantable de la explosión de la cultura comercial y medios de comunicación de Estados Unidos. Las fuentes de este nuevo arte fueron en general ni la imaginación ni la observación directa del mundo del artista, sino más bien las imágenes en sí, ya sea envasado de productos, anuncios impresos, periódico la fotografía, o libros de historietas. A principios de su carrera, muchos de los protagonistas de Pop trabajaron como artistas comerciales; Andy Warhol fue ilustrador por ejemplo. Las obras expuestas en este capítulo se presentan una serie de actitudes hacia la cultura de consumo, de celebración o de crítica al sueño americano.
RAW WAR
A lo largo de los años 1960 y 1970, los Estados Unidos sufrió una convulsión social y cultural dramática. El conformismo de los años de la posguerra dieron paso al escepticismo y al pedido por la justicia social, en particular a favor de las mujeres, las minorías raciales. Al igual que en décadas anteriores, como la década de 1930, los artistas abordan con valentía temas más urgentes en su trabajo como una forma de protesta y pedido de Cambio. Encontramos imágenes de los muertos por Martin Luther King Jr, así como los retratos sonrientes recopilados por Howard Lester de los 150 soldados muertos durante una semana en 1970 en la guerra de Vietnam.
CARTA DE AMOR DEL FRENTE DE GUERRA
Durante los años 1980 y 1990, la epidemia de sida causó cerca de medio millón de muertes en los Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los temas más ardientes de la vida y de la política estadounidense. La comunidad artística perdió miles, mientras que incluso más amigos, amantes, los supervivientes y los familiares enfrentaron vidas transformadas por el dolor, el miedo, la indignación y lucha con la enfermedad. Muchos artistas hicieron el trabajo activista con valentía dirigido a la sensibilización y el apoyo al SIDA. Mark Morrisroe, Nan Goldin.
Otros artistas, como Robert Mapplethorpe, Andreas Serrano y David Wojnarowicz, se vieron envueltos en las guerras culturales de finales de los ochenta y principios de los noventa. En conjunto, las obras de este capítulo, sin embargo, ofrecen una meditación más íntima y poética sobre la crisis del SIDA y la comunidad creativa que devastó.
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